福岡アジア美術館の「アジアをつなぐ──境界を生きる女たち」展と大分での「青木涼子、ふるさとで舞う」

 朝早い新幹線に乗って福岡へ向かう。福岡へ行くのは久しぶりであるが、今回の目的は福岡アジア美術館で開催されている「アジアをつなぐ──境界を生きる女たち 1984–2012」展を見ること。アジアの女性アーティストによる美術作品を集めてその表現の現在を映し出すこの展覧会を、知り合いのアーティストが出品していることもあり、どうしても見てみたかったのである。
 因習に、それに拠りかかって自己保存を図る権力に身体の内奥から搦め捕られて、ある「女」であることを強いられている自分、それに自分自身で向き合うなかから生まれる表現、その率直かつ緻密な表現を、例えば中国の林天苗の「卵#3」に見ることができるかもしれない。作家自身と思われる人の身体から、無数の糸によって作られた無数の卵が、糸を引きながら吐き出されている。卵子を産むことがすでにして無数の糸に絡みつけられることでもあることを、執拗なまでに突き詰めることが、見事な構成に結実している。そのような表現の源にあるのは、「家」に、あるいは「女」であることに閉ざされることに対する身体的な次元での違和感と抵抗であろうが、その際に、閉ざされるなかで手を染めざるをえない「伝統的」な手仕事を逆手に取るしたたかとも言える行き方も示されているのは興味深い。韓国のイースギョンの「翻訳された壺」は、陶器を修復する伝統的な工法を習得することをつうじて、あらゆる規範を超えて自己増殖する身体を表現したものと言えよう。モンゴルのダグヴァサンブー・ウーリーンツヤの「わたしは凧」は、伝統的なモンゴルの絵画の技法を駆使しながら、男女が絡み合い、摑み合いもする地上を離れて飛翔することへの憧れを「わたし」が飛ばす「わたし」としての凧によって、非常に洗練されたかたちで表現している。
 アジアに生まれた女性として生きることの表現は、移り住んだ先で新しい生活を営むことにまつわる苦悩としても掘り下げられている。そのなかで非常に印象的だったのは、インド出身のザリナ・ハシミによる移民の寂寥を抽象的な表現に結晶させた作品。表現そのものが非常に魅力的だったのは、韓国のソン・ヒョンソクの水彩作品。何と静かでかつパトスを内に秘めた筆触だろうか。バングラデシュのニルーファル・チャマンの作品は、結ばれ、よじられる存在であることを、身体そのものの可塑性に力強く転化させていた。
 これら以外に印象的な作品もあったのだが、それ以上に印象的だったのはキュレーションの見事さ。テーマをしっかりと腑分けしながら掘り下げている。そして、カタログも、数多くのエッセイが収められているうえ、資料としても充実している。
 アジア美術館を出てから、地下鉄で天神へ移動し、高速バスで大分へ。九州道が鳥栖まで混んでいてやきもきさせられたが、何とか10分ほどの遅れで大分に到着。大分では、当地のiichiko総合文化センター内にある音の泉ホールで、「青木涼子、ふるさとで舞う──能とであう、20世紀の弦楽四重奏」と題した、アルディッティ弦楽四重奏団が能楽師の青木涼子と共演した演奏会を聴いた。少し驚かされたのが、アルディッティ弦楽四重奏団がヤナーチェクとラヴェルの古典的な作品を、非常に深い共感をもって演奏していたこと。先日聴いた現代の作品の鮮烈な表現も、このような古典的な作品への深い理解から生まれているのだ。ただし、けっして情緒に流れることなく、作品のテクスチュアを実に緻密かつ音楽的に浮き彫りにしていた。ラヴェルの弦楽四重奏曲にはもう少し広がりを求めたい気もしたが、ヤナーチェクの弦楽四重奏曲第1番「クロイツェル・ソナタ」では不穏な情動の蠢きが完璧に表現されていた。
 細川俊夫の「沈黙の花」では、大分出身の青木涼子の能舞が加わったが、その構成が非常によく練られていたのが非常に興味深い。彼女は、作品を二部構成と捉え、前半を人の姿で、後半を夢幻の世界の花の精の姿で静かに舞っていた。花を見るという人間的な行為が、花そのものに沈潜し、花の生命と共振するさまを目の当たりにするようで、その点、音楽の精神とも共鳴していた。この舞台のために新たにデザインされた衣裳も、華やかでありながら散る花の儚さも感じさせ、音楽に相応しい。
 このような花を見る魂の変容は、続くケージの作品の演奏とともに行なわれた献花への良い橋渡しにもなっていた。ここでも青木涼子が舞ったが、少し躍動感と合間に謡いも交えて、ケージが表現する四季との対話を試みていた。ケージの弦楽四重奏曲は、音を非常に切り詰めた、時に周囲に耳を澄ますような音楽なので、能舞の足を踏む音が入っても気にならないどころか、むしろケージが聴こうとしていた音の一つのようにすら聴こえる。慈照寺の花方である朱寶による生花は、大ぶりの竹を軸に、ススキやヒガンバナ、それに薔薇を配して、秋を凝縮した見事なもの。薔薇が入って華やかさを増しながら全体が締まるのが意外に面白かったが、朱寶によると薔薇そのものは中国に由来するとのことで、今回は中国産の落ち着いた色彩の花を使ったそうである。舞台を眺めていて、ケージのたゆたうような音楽から、舞いと花が湧き出てくるかのような印象を受けた。静かに満たされたような思いを抱きながら、大分を後にすることができた。

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Hiroshima Happy New Ear XIIを聴いて

 新しい音楽への耳を開く広島での現代音楽の演奏会シリーズHiroshima Happy New Earの第12回の演奏会には、現代の音楽そのものをリードしてきたと言っても過言ではないアルディッティ弦楽四重奏団が来演した。この弦楽四重奏団の演奏には、CD──ラッヘンマンの弦楽四重奏曲を集めたものは、あらためて凄いと思う──やラジオの放送などで親しんできたのだけれでも、生の演奏に接する機会はどういうわけかこれが初めてのこと。それゆえとても楽しみにしていたのだが、期待にたがわぬ素晴らしい演奏だった。以前にディオティマ弦楽四重奏団の演奏を聴いたときに、これは一つの事件だと人に語ったことがあったが、それを上回る衝撃を受けたと言ってよい。凄まじいまでの凝縮度をもった音の塊が、恐ろしいまでの解像度をもって迫ってくるのだ。
 とくに最後に演奏された、クセナキスのテトラスで聴いた音の凝縮されたエネルギーは、この四重奏団の緊密なアンサンブルによってしか表現されえないものだろう。アリストテレスに因んで言うならば、きわめて質料的な音の素材が、おのずから発展し、凄まじい生命力を発揮していた。同時にそれが緻密な論理にもとづいていることも感じないではいられない。ロゴスに裏打ちされた、ディオニュソス的な音の躍動をアルディッティ弦楽四重奏団は聴かせてくれた。
 とはいえ、今回この弦楽四重奏団の演奏に接して驚かされたのは、音の素材が激しく運動する楽節と、それがぴたりと止んで静まる楽節との対比である。とくに静けさの深さは恐ろしいほどだ。最初に聴いたリゲティの弦楽四重奏曲第2番の演奏で聴かせた静かな響きには、深淵に吸い込まれそうな思いがした。その静けさから湧き上がる音の運動は、リゲティが影響を受けたバルトークの作品以上に、飼い馴らされていない自然の蠢きを感じさせる。
 今回細川俊夫の作品が二曲演奏されたが、まず「沈黙の花」の演奏は、この作品が傑作であることを申し分なく伝える密度の濃い演奏だった。力強く打ち込まれた音が命の花を空間に開きながら、やがて消え去っていくさまが、驚くべき振幅をもって表現されるとともに、その線が擦れていく動きがきわめて緻密に表現されていた。垂直的に打ち込まれ、空間に線を描いていくのがだんだんと静まって消え去っていく、どこか命の儚さを感じさせる曲の推移には、マーラーの交響曲第9番の最終楽章を思い起こさせられる。
 日本初演となった細川の弦楽四重奏のための「書」は六つの短い曲から成るが、その演奏ではとくに最後の二つの曲における息の長い歌が印象的だった。書においては擦れや滲みをなすような動きが、歌う息遣いと深い感情の共鳴として響いていたように思う。なお、最後の曲は、細川のオペラ『班女』のなかの花子のアリアを素材にしているとのことである。
 この夜聴いたアルディッティ弦楽四重奏団の演奏は、曲のテクスチュアを緻密に読み取ることを、崇高なまでの強度をもった現代の音楽の表現と見事に結びつけたものであった。それを聴きながら、アドルノが、技術でもある芸術がそれ自身の論理を尽くした果てに自然との和解がありうることを、思い起こすとともに、そこに至るミメーシスが音楽においては、アルディッティ弦楽四重奏団がしたような優れた演奏をつうじてのみ実現されうるのかもしれないとも考えさせられた。その緻密な解釈と緊密なアンサンブルのなかから、音の運動が、歌う息のめぐらしが、おのずから立ち上ってくるのである。
 そのことと同時に、この夜聴いた鮮烈な表現に至る弦楽四重奏の伝統も感じないではいられなかった。リゲティの作品は明らかにバルトークの弦楽四重奏曲第4番を意識したものであろうし、クセナキスの作品も、ベートーヴェンの後期の弦楽四重奏曲の、断片的なモティーフを展開させる傾向なしには生まれなったのではないか。それに細川の「書」は全体として、例えばヴェーベルンが書いた弦楽四重奏のための楽章を思い起こさせる。アルディッティ四重奏団が、このような弦楽四重奏の伝統を背景に、弦楽四重奏と新しい音楽の可能性をどのように切り開いていくのか、これからも注視していきたい。

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3月に読んだ和書

 3月の前半は、翻訳や原稿執筆に非常に忙しく、ほとんど本を読むことができなかった。その合間を縫ってようやく読めたのが、ロドルフ・ガシェの『いまだない世界を求めて』(月曜社)。以前から気になっていた、デリダの薫陶を受けたこの哲学者による日本語版オリジナルの論文集である。翻訳と解説が素晴らしく、このようなかたちでガシェの思想が紹介されるのは喜ばしい。作品の独特の現実性ないし出来事性を語るものとしてハイデガーの「芸術作品の根源」を読み解いた論文と、他者への応答としての責任の概念から、哲学そのものを捉え直そうとする論文とが感銘深かった。
 4月7日から広島でも、先頃交通事故のために急逝したテオ・アンゲロプロスの『旅芸人の記録』の追悼上映が始まるが、その予習も兼ねて読んだのが、村田奈々子の『物語 近現代ギリシャの歴史──独立戦争からユーロ危機まで』(中公新書)である。19世紀半ばのギリシアの独立運動以来、周囲の大国によって翻弄されてきたギリシアの苦悩の歴史を、政治史として浮き彫りにする。言語をめぐる対立が、ギリシアとは何か、という根本的な問いと結びついているあたりの叙述は興味深い。現代ギリシアの政治史の専門的な叙述に傾きがちなところがあるので、もう少し大局的な視点と、問題の掘り下げがあればと感じた。
 月末にヴィーンへ出かけるので、1848年のヴィーン革命のことを知ろうと読んだのが、良知力の書いた二冊の革命史論。いずれも、1848年の3月に始まり、10月の敗北に終わるヴィーン革命の歴史を、歴史に名を残さない人々の声や足跡を記した膨大な資料を渉猟して、革命史の見直しを迫る労作である。一冊は、『向う岸からの世界史──一つの四八年革命史論』(ちくま学芸文庫)。挫折に終わったこの革命の歴史を、同時代のベルリンの革命の動きと照らし合わせながら浮き彫りにし、さらに20世紀後半の移民をめぐる状況とも関連づける論集である。その叙述の舞台裏も明かされて興味深い。もう一冊は、『青きドナウの乱痴気』(平凡社ライブラリー)であるが、これは名著と言うべきであろう。労働者の権利を求める闘いがやがてハプスブルク帝国内での民族抗争へ転化していく様子が、ヴィーンの都市生活を文字どおり支えていた人々の声から浮き彫りにされる。革命に立ち上がったヴィーンを皇帝の軍隊から守ろうと戦って、クロアチア人の部隊を先兵とする皇帝軍によって虐殺されたのが、ボヘミアやポーランドからヴィーンへ流れ込んできた移民であったわけだが、こうした痛ましい歴史は今も繰り返されているように思えてならない。ちなみに、本書に掲載されている挿し絵のいくつかを、カール広場の傍らにあるヴィーン市の博物館で見ることができる。
 他にヴィーンへの旅へ向けて読んだのが、類い稀な芸術史家宮下誠が残した『クリムト──金色の交響曲』と岡田暁生の『楽都ウィーンの光と陰──比類なきオーケストラのたどった道』(いずれも小学館)。前者は、金細工から出発したクリムトの絵画を、日本の芸術との関わりや分離派という運動の理念にも目配りしつつ、世紀末ヴィーンのなかに生き生きと浮かび上がらせる佳篇。ベートーヴェン・フリースについての叙述は圧巻と言うべきであろう。風景画家としてのクリムトに注目している点にも共感できたし、作曲家マーラーと関連づける叙述も正鵠を射ている。また、巻末のクリムトの作品の地図は、この画家の絵を見にヴィーンを訪れる人にとって有益であろう。後者は、ヴィーン・フィルハーモニーというオーケストラの歴史を掘り起こすことを軸としながら、ヴィーンの音楽文化の発展と凋落とともに、移民の街であるがゆえに同時に人種差別の渦巻く街でもあるヴィーンの姿をも浮き彫りにする。スター指揮者として華々しく登場し、歌劇場やオーケストラをめぐる陰謀に翻弄されたマーラー、そしてプラーターの貧しい移民の家に生まれ育ったシェーンベルクという二人のユダヤ人に関する章はことに興味深い。巻末の年表や地図もなかなか有益だと思う。音楽の都としてのヴィーンの歴史は、第一次世界大戦以前の、すなわちハプスブルク帝政期のブルジョワジーの興隆に負っていて、これほどまでにヨハン・シュトラウスがヴィーンを代表をするものとしてこれほどまでに全面に押し出されるのは、その時代へのノスタルジーの表われなのだ。
 ヴィーン滞在中に読んだのは、アルトゥール・シュニッツラーの『夢小説・闇への逃走 他一篇』(池内紀他訳、岩波文庫)。無意識の欲動が、じわじわと、また退廃的な情緒も交えながら浮かび上がってくる。医師でもあったシュニッツラーならではの、人間の身体と心理への鋭い切り込みも印象的で、堕ちていく人間のなかで起きていることが、ひしひしと伝わってくる。これを読んで、クリムトやシーレを見て、シュテファン寺院裏手の飲み屋街へ消えるというヴィーンの過ごし方もあるかもしれない。ちなみに、フロイトはシュニッツラーの小説を読んで、自分が地道な研究を重ねて辿り着いた洞察に一挙に達していると、彼を羨んだということである。
 ヴィーンから帰る機内で読み終えたのが、吉田秀和の『ヨーロッパの響、ヨーロッパの姿』(中公文庫)。1967年秋からおよそ1年、ベルリンを拠点にヨーロッパに滞在したあいだ、著者が音楽を中心に接した芸術についての批評をまとめたものである。彼の確かな批評眼をあらためて痛感させられるとともに、批評の視点もかなり理論的に示されている。それはたしかに古典的な作品観に支えられたものであろうが、あらためて傾聴すべき論点も少なくない。「批評」や「評論」を掲げて書くすべての人に読まれるべきエッセイ集と思われる。
※ブクログという読書記録サイトの「まとめて紹介」機能を利用しています。

walterの本棚 - 2012年03月 (9作品)
3.11を心に刻んで
読了日:03月20日
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ヴィーンへの旅:2012年3月29日

 今日は曇って肌寒い。昨日までの晴天とは対照的だ。朝食の後、美術史美術館へ向かう。朝のうちは絵画のギャラリーは観光客の団体でごった返すので、まず古代エジプトやギリシア、ローマなどの美術品を見る。ギリシアのアンフォラの一つに、オレステスとエレクトラによるアイギストス殺害の場面があったのに目が留まった。ここでもクリムト生誕150周年ということで、彼が手がけた壁画を、特設の橋に上って近くから見られるようになっている。若いクリムトによる古代エジプトからルネサンスまでの各時代および時期の美術の美しい寓意。
 絵画では、まずジョルジョーネによる若い女性の肖像画や謎めいた若い戦士の肖像画の静けさに惹かれる。アルチンボルドによる「水」の寓意画は、彼が事物のモンタージュによって構成した顔のなかで、おそらく最もグロテスクだろう。顔のなかで無数の魚と海獣が口を開けている。カラヴァッジョでは、「薔薇の冠の聖母」のような大規模な作品よりも、ゴリアテの首を摑むダヴィデの像のような中規模の作品に彼らしさが強く表われているように思われる。
 美術館内のカフェで軽い昼食をとった後で見たフランドルとオランダの絵画では、何と言ってもロヒール・ファン・デル・ウェイデンによる十字架の祭壇画が素晴らしい。風景描写、人物の造形、そして哀しみの表現が、どれも研ぎ澄まされて静謐な画面の完璧な構成に結晶している。この祭壇画と並んで、ハンス・メムリンクの慈愛に満ちた祭壇画が置かれていたのが非常に興味深かった。こちらも前者に劣らず魅力的だ。柔らかな光景のなかに、慈しみそのものと言えるような聖母子像が静かに浮かび上がる。事物の質感を醸す細部の緻密な表現も優れている。
 この美術館が誇るブリューゲルのコレクションは、本当に見飽きることがない。共感に満ちた観察眼によって、愚かですらあるような人々の生きざまが躍動する。今回は「農民の結婚式」を描いた一枚がとくに魅力的に思われた。フェルメールの「絵画芸術」の寓意は、ある瞬間を永遠の相の下に描く彼の芸術の完成された姿を示すものの一つだろう。どこまでも緻密に描き込まれた画面のなかで、天使に仕立てられたモデルの服のラピスラズリによる服の青と唇の金色の一点が、窓からの光に映え、画家のアトリエの光景を開く。それと前景の重みのあるカーテンの対照も非常に巧みだ。レンブラントでは、後期の息子ティトゥスの肖像が魅力的だ。今回、万霊節を描いた大規模な作品をはじめとして、デューラーの作品を数多く見られたのも嬉しかった。ヴェネツィアの女性の肖像はとくに傑作と思う。
 部屋で少し休んだ後、夜はコンツェルトハウスにてハーゲン弦楽四重奏団の演奏会を聴く。前半は、ベートーヴェンの第6番の弦楽四重奏曲とヴェルディの歌劇「ルイザ・ミラー」からの数曲を弦楽四重奏に編曲したもの。ベートーヴェンでは、冒頭の楽章でヴァイオリンのルーカス・ハーゲンの音が、音程が定まらないままひっくり返ることが何度かあって、おやと思わされたが、全体的にはこの作品を特徴づける長調と単調の対比を見事に生かした演奏だったと思われる。沈み込むような単調の響きから、生気に満ちた長調の旋律が浮かび上がってくる瞬間の美しいこと。とくにフィナーレは、何度繰り返される沈欝なアダージョと、沸き立つようなリズムのアレグロとの対比が際立って、とても魅力的だった。ヴェルディの弟子というエマヌエーレ・ムズィオなる作曲家による、ヴェルディ中期の「ルイザ・ミラー」のいくつかのナンバーの編曲は、思ったよりも楽しめた。アリアの旋律の魅力と、その伴奏のオーケストレーションのツボを抑えたと言ってよい編曲で、旋律とリズム双方の躍動感がよく引き出されている。ヴェロニカ・ハーゲンのヴィオラの柔らかな音が旋律を担当するとき、とくに曲が魅力的に思われた。
 休憩の後は、モーツァルトの「ホフマイスター」弦楽四重奏曲。ヴァイオリンとヴィオラのための変ロ長調の二重奏曲の変奏曲の旋律に似た、カノン風の旋律の掛け合いが、非常に親密な雰囲気を醸すのと、アダージョで清澄な世界がどこまでも広がるのとの対照が素晴らしく、インティメートな室内楽を掘り下げることで作品の精神に近づこうとするこの四重奏団のアプローチが、見事に生きた演奏だったと思う。澄んだ響きのなかにモーツァルトの音楽の様式性が自然に生きているのも素晴らしい。ハーゲン弦楽四重奏団は、カメラータ・ザルツブルクとともに、モーツァルトの演奏の伝統を、絶えず新しい息を音楽に吹き込みながら今に伝えている、貴重なグループの一つと言えよう。アンコールは、おそらく同じ作曲家によるヴェルディのアリアの編曲もの。これも軽やかな旋律とリズムの躍動が生きた魅力的な作品と演奏だった。

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ヴィーンへの旅:2012年3月28日

 ボッシュの「最後の審判」の祭壇画を見ようと造形芸術アカデミーの美術館へ出かけるが、折悪しくちょうど今日から修復のために見られないとのこと。それ以外の絵はそれほど魅力的ではないが、ライスダールの風景画を、人物像の交じった初期から晩年までいくつか見られたのは嬉しかった。とくに橋のある冬景色の絵は、小さいながらよい作品だと思う。あと見るべきところがあると思われたのは、レンブラントの初期作品くらいだろうか。
 少し南に下って、ナッシュマルクトをのぞいてみるが、オーストリアの人が経営している露店はもうほとんど見られず、トルコ人などが経営する、ファスト・フードを兼ねたものが多い。どうやら観光客向けの市場に変わったようで、客引きの声が煩わしい。オリーブを少し買い求めて出た。昼食は市場のなかの食堂ではなく、近くに見つけたサイゴンというヴェトナム料理屋にて。鶏肉のフォーを食べたが、なかなかよいスープの味。タピオカのデザートも付いて7ユーロ足らずならまずまずだ。
 午後はグラーベンやコールマルクトあたりの街路を散策するが、それにしても観光客が多い。コールマルクトのデーメルで、ザッハートルテを食す。以前は、この甘いケーキにさらに生クリームなんて、と思っていたが、凝縮された甘さのトルテにクリームを付けると、甘味がまろやかになって食べやすい。刺激的なまでに甘いところも一つの魅力ではあるのだけれども。それ以外に、菫の花弁を砂糖漬けにしたものも買い求めた。その後、部屋に帰ってしばらく休んだ。無意識の欲動がじわじわと染み出てくるさまを描くシュニッツラーの掌編を読む。
 夜は国立歌劇場でバレエの公演を見る。演目は、トルストイの『アンナ・カレーニナ』をチャイコフスキーの音楽に乗せてバレエに仕立てたもの。ボリス・エイフマンという人の構成と振り付けによるもので、人物の心理を鋭く抉り出す舞台として、すでに評判で、東京の国立劇場でも取り上げられるとか。チャイコフスキーの音楽からは、弦楽セレナードや「悲愴」や「マンフレッド」の交響曲からの一部、数曲のバレエ音楽などが演奏された。少し粗いところや管楽器のミスが耳に付いたが、オーケストラは迫力のある演奏を聴かせていた。ダンサーのなかでは、アンナと恋に落ちる将校ヴロンスキーを演じた青年が魅力的だったように思う。それにしても、バレエの観客はなぜこうも行儀が悪いのか。カーテンコールで口笛を吹くばかりか、フラッシュをたいて写真を撮る。オペラではそういう客は見かけないのに。
 帰りがけ、劇場の近くのレストランで軽い夕食。焼いたソーセージのほか、ターフェルシュピッツをマリネにした一品を食べるが、これがまずまずの味。店付きの老音楽家がツィンバロンで「さくらさくら」など日本の歌を弾いてくれたが、これは要らないサーヴィスだった。

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ヴィーンへの旅:2012年3月27日

 それにしてもよい天気だ。日差しが眩しい。今までヨーロッパで体験したことのない春の陽気である。公園の緑が映え、若者たちが座っておしゃべりを楽しんでいる。今日の午前中は、ベルヴェデーレ宮殿の上宮で、クリムトやシーレの作品を中心に絵を見る。かつて下宮に展示されていた近代絵画や中世の美術がすべて上宮に移ってきたせいだろうか、以前よりもクリムト作品の展示は縮小されていたように思う。彼の生誕150年の記念の年だというのに奇妙なことだ。あの「接吻」だけが赤い特別の壁に掛けられて、展示室の真ん中あたりに据えられていて、そこに観光客の人だかりができている。
 クリムトの作品では、絵画と工芸の融合を成し遂げたいわゆる黄金期の作品よりも、身体の運動性が高まるとともに新たな色彩表現が模索される晩年の作品のほうが魅力的に思われる。「アダムとイヴ」そして未完に終わった「花嫁」あたりは、身体表現と色彩表現が生気を帯びながら融合している。そしてより率直な喜びを感じられる。  昼時に観光客が減ったところで「接吻」をよく見てみると、女性の黄金の衣服の裾から藤の花か下に垂れる木の葉のようなものが垂れ下がっているのが目に付いた。そこに注目しているうちに、この作品が、男女の至福に包まれた瞬間というよりは、自然と人間、そして美術と工芸の結合を象徴しているように思われてくる。もしかするとこれは、ユーゲントスティルそのものの寓意でもあるのかもしれない。同じ部屋には、「水蛇」や「フリッツァ・リードラーの肖像」など、黄金期を代表する作品のほかに、美しい風景画──とくに農家の庭を描いたものなど、花々が実に生き生きとしている──もいくつかあって、それを見ているうちに一つ気がついたことがあった。アッター湖畔の風景を描いたものが一点あったのだが、それを見ると湖畔には木々の緑が豊かに生い茂っている。そうすると、昨日レオポルド美術館で見たアッター湖の水面を描いた絵の緑がかった青は、木の葉の緑が水面に映った色なのかもしれない。それにしても、まさに世紀末に描かれた「ソーニャ・クニプスの肖像」のアウラのような香気は何なのか。
 しかし、今はクリムトよりもシーレの絵のほうに惹かれる。「四本の樹」の日没の表現は、色彩の階層的配置が画面全体の深沈とした雰囲気を醸し出して実に美しい。土に染み込むような夕映えのなかに、シーレが生命の蘇生にも見立てる木々の枝が夕日に黒く映える風景の少し張りつめた静けさ。岩が剝き出しとなった慰めのない光景のなかに人の命の儚さが象徴される「死と乙女」では、すでに石のような死神に捕らえられた少女もまた石化していくかのようだ。最晩年の家族の肖像が示す哀しみに包まれた喜びを前にすると、言葉を失わざるをえない。廂を色彩の配置によって構成しながら壁面の質感を執拗なまでに追究した「家の窓」も魅力的に思われた。これも哀しみに包まれた母子像も、たしかに聖母子像をモデルとしている点に注目するなら瀆神的かもしれないが、神に見放された世界で命をつなぐことの苦悩を切々と伝えて感銘深い。こうした生の苦悩を鋭く抉り出しながら慈しみにも満ちたシーレの表現を前にすると、ココシュカの人物表現などは逆に表面的に思われる。たしかに彼がプラハの風景をパノラマ的に描いた作品など魅力的ではあるのだけれども。
 これら以外には、カスパー=ダフィート・フリードリヒが霧のなかの海や砂岩の山並みを描いた風景画が、無限に続く奥行きを穏やかに示していて美しく思われたし、キルヒナーが山並みの風景を描いた作品も、彼の様式の成熟が画面の魅力に結びついているように感じられた。団体の観光客がぞろぞろと歩いていて騒々しかったので、それ解放されてほとんど誰もいない中世美術の部屋でゴシックの木彫や祭壇画を眺めていると、妙に心が落ち着いた。  ベルヴェデーレを後にして、宮殿のすぐ向かいにある、店の人が言うには「シャロン・ストーンも来た」というシルク製品の工房で、クリムトの「花嫁」の絵をプリントしたスカーフを妻のために買った後、電車を乗り継いで、昨日行ったのと同じアルト・ヴィーンでクラーシュの昼食。牛肉が良く煮込んであって美味しいのだけれど、スープが少し塩辛かった。そこを出て、午後はまずカール広場前の分離派会館を訪れる。地下に据え付けられているクリムトの「ベートーヴェンフリース」を間近で見ることができた。因習に捕らわれる苦悩から解放された生の歓喜を求める憧れが、漆喰の壁面に流動する。金箔を多用したフレスコ画の制作過程を再現したヴィデオも上映されていて、これも非常に興味深かった。
 そこを後にして、今度はカール広場の反対側にあるヴィーン博物館を訪れる。先史時代から現代までのヴィーンという街の歴史を伝える博物館であるが、クリムトやシーレの貴重な作品も展示されている。「愛」の寓意画や芸術の因習に挑みかかるクリムトの「パラス・アテナ」神像、それに美しい「エミーリエ・フレーゲの肖像」なども魅力的だが、ここでもやはりシーレの作品に惹かれる。自画像と向日葵の絵が展示されていたが、向日葵の絵を彼はほかにも何点か描いている。彼にとって向日葵とは何なのだろう。この博物館には、19世紀に天候による劣化から守るために取り外されたシュテファン寺院の外壁の彫刻の14世紀のオリジナルや、同時期のステンドグラスが展示されていて、これも興味深かった。ビーダーマイヤーを代表する作家グリルパルツァーの住まいを再現したコーナーもあったし、1848年の革命の様子を描いた絵とともにその時期を振り返るコーナーでは、最近読んだ革命史が思い出される。
 夜はコンツェルトハウスでカメラータ・ザルツブルクの演奏会。「安らぎなく! Ruhelos!」 ベートーヴェンのヴァイオリン協奏曲のソロイストを務めたパトリシア・コパツィンスカヤがアンコールで弾いたクルターグの「カフカ断章」の一曲「安らぎなく」を弾いて叫んだこのひと言は、この演奏会で演奏された二つの協奏曲の演奏を図らずも象徴しているように思われる。前半にファジル・サイの独奏でモーツァルトの第21番のピアノ協奏曲(K. 467)が演奏されたが、彼の独奏には嫌悪感すら覚え、聴いていて気持ちが悪くなった。自己顕示的に叩きつけられるフォルテの音は、モーツァルトの書いた楽譜から聴こえるものからはほど遠い。テクニックに長けたサイのことなので、「モーツァルトっぽい」繊細なピアノも弾けなくはないが、明らかに取って付けたようである。彼の恣意だけが聴こえ、モーツァルトは聴こえなかった。いくら即興的であったとしても、かつてのグルダのようにモーツァルトの精神を響かせることができるのだ。アンコールで演奏された「キラキラ星変奏曲」は、サイの自己顕示欲の塊でしかなかった。これほどまでではないにしても、コパツィンスカヤによるベートーヴェンの協奏曲の演奏も、「安らぎ」とともに音楽に身を委せられるにはほど遠かった。恣意的なところが耳について、途中から独奏に耳を傾ける気を失ってしまった。彼女の即興性も、ベートーヴェンの音楽が求めるものからかけ離れているとしか言いようがない。ヴァイオリン自体の響きを生かしたなかに晴朗な世界を現出させるこの協奏曲の音楽を充分に繰り広げるなかに清新な風を吹き込むのなら理解できるが、むしろ作品のダイナミズムを阻害しているところが目立つ。何よりも許容しがたく思われたのは、ベートーヴェンが書いた音を改竄しているところがいくつかあったところ。カデンツァは、ベートーヴェンがこの協奏曲のピアノ協奏曲版のための書いたカデンツァをコパツィンスカヤが編曲したもの。ティンパニのほかに、コンサートマスターのヴァイオリンが掛け合いに加わるが、この日のコンサートミストレスは、コパツィンスカヤのアプローチに同意しているようには見えなかった。「カフカ断章」を含め、アンコールで披露された現代作品の演奏は見事だった。
 多少なりとも安心して耳を傾けられたのは、カメラータ・ザルツブルクの生気に満ちた演奏だった。モーツァルトの音楽が求めるものを、つねに新しい息を吹き込みながら守っていて、いつ聴いても素晴らしく思う。この日の最初に演奏された第28番の交響曲の演奏は、歌の喜びと沸き立つようなリズムの喜びとが共存する見事なものだった。Img_0783


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ヴィーンへの旅:2012年3月26日

 月曜日なので美術館は軒並み休みかと思いきや、ヴィーンではいくつかの美術館が開いていた。午前中はそのなかの一つ、レオポルド美術館を訪れた。世紀転換期のヴィーンの美術シーンを工芸や都市の変化にも視野を広げながら浮かび上がらせる展示に始まり、クリムトが家族などに宛てた相当な数の絵葉書と、彼のアトリエの再現などとを背景としながら、この美術館が所蔵しているいくつかの作品によって、今年生誕150年を迎えるクリムトの生涯と芸術を浮かび上がらせる特別展、それにこの美術館が誇るエゴン・シーレのコレクションを特集した展示と、どれも見ごたえがあった。クリムトの作品では、当然ながらこの美術館のコレクションを代表する「死と生」の色彩も素晴らしかったが、とくに美しく思われたのは、アッター湖の水面を描いた風景画、静かに彼方へ消え入っていくような背景から、緑がかった青の輝きが穏やかに映える。静かにこちらへ近づいてくるその色の配置が絶妙である。シーレの作品のコレクションも素晴らしかったが、そのなかでは、暗い色の岩肌から聖人の姿が徐々に浮かび上がるかのような「顕現」と、日没の風景を描いた作品の深沈とした美しさがとくに印象的だった。家並みを描いた風景画も、クレーの作品に見られるような色彩のリズムが、沈み込むような壁面の色と対照的で面白い。地下のほうでは、シーレの作品からインスピレーションを得た現代の作家のインスタレーションなどが展示されていたが、人間の身体性を鋭く抉り出すシーレの表現は、現代の作家に強く訴えるものがあるにちがいない。
 昼食は、シュテファン寺院の奥の路地を入ったところにあるアルト・ヴィーンというカフェで、この日の定食であるシュニッツェル。値段は、斜向かいにある、シュニッツェルが有名なフィグルミュラーのちょうど半額だった。豚肉のシュニッツェルも香ばしくて美味しいが、付け合わせのじゃがいものサラダがどこか心落ち着く味でよい。催し物のポスターや、ちょっとダダ風の美術作品が飾ってあって、よい雰囲気の店だった。
 午後は、アルベルティーナで印象派とクリムトの素描の特別展を見る。下階の2フロアを使って、マネからセザンヌに至る素描がパステル画などとともに展示してあった。相当な數の作品である。モネがロンドンのテムズに架かる橋を描いたパステル画がまず目を惹く。バレエの踊り子たちを描いたパステル画も美しいし、ロートレックの、あの特定の空間における人物の一瞬の相貌を無駄のない仕方で捉える力は、ことにパステルによる素描で発揮されるように見えた。セザンヌの素描は、彼が事物の形態を構成的に把握する過程を示して興味深い。  上階からは、この美術館の新しい常設展示となった、バルティナー・コレクションによる印象派から晩年のピカソまでの油絵作品が展示されているが、この展示も驚くべき充実ぶりで、これまでデューラーらからの素描や版画によって知られていたこの美術館の新たな魅力をなすものと言えよう。キルヒナーらしさがよく出た女性像があったのも嬉しかったし、ノルデの生命感にあふれる花園の絵もあった。印象的だったのは、ロートレックによる厩の白馬の絵。少し悲しげな表情が心に残る。カンディンスキーの左右に対照的な構成を示した作品やクレーの「逸脱」の一歩を示す作品も見られたのも喜ばしい。シャガールの三点では、どれも彼らしい幻想が画面いっぱいに繰り広げられている。戦後すぐのピカソが描いた、緑の帽子を被った女性の像は、深い哀しみに包まれていて、思わず立ち止まらせられる。
 最後にクリムトのこれまた膨大な素描を見たが。建物の壁面を彩る人物群像や、あるいは金色に包まれた肖像画を創作する前に、彼がいかに多くの素描を繰り返していたかを知ることができる。女性の肢体を捉える眼差しと手つきを完全に自分のものにしてから、彼はそれを大きな画面の造形に生かしていった。そのプロセスを伝える充実した展示だった。
 夜は、楽友協会ホールにて、ズービン・メータ指揮によるヴィーン・フィルハーモニー管弦楽団の定期演奏会を聴く。メータが指揮する演奏を生で聴くのは初めてだが、彼がオーケストラから充実した響きを引き出すのにいかに長けているかを身をもって知ることができた。最初に演奏されたのは、ヒンデミットの交響曲「画家マティス」。メータはこの曲を得意としているのだろうか。落ち着き払った音楽の運びで、密度の濃い演奏を聴かせていた。ことに印象的だったのは、第2楽章の「埋葬」における沈んだ、そして清澄なピアノの響き。フィナーレの「聖アントニウスの誘惑」では、聖性と悪の抗争が力強く描かれた後、圧倒的なコラールで閉じられた。楽器の音が溶け合って壮大なハーモニーが形成されるのは、このオーケストラ、そしてこのホールならではのことであろう。続いて演奏されたのは、リヒャルト・シュトラウスの「四つの最後の歌」。たゆたうようなオーケストラの響きが実に魅力的な一方、ヴィーン国立歌劇場でも歌っているというマルティナ・セラフィンの声は魅力に欠ける。始終叫ぶような歌い方で、あまりにドラマティックに過ぎ、この曲に用いられている詩の細やかな魅力が台無しになった感もなくはない。アイヒェンドルフの「夕映えに」など、詩と声の抒情性が合致してこそ美しいのに。休憩のときに周りのマダム連が、「あの歌手、写真よりもずいぶん老けているわね」などと言っていたが、プログラムの写真そのものが相当古い印象だ。なお、ヘッセの詩による「九月」の終わりだったか、ホルンが実に魅力的なソロを聴かせてくれた。
 休憩を挟んで、この日のメイン・プログラムであるドヴォルザークの「新世界より」の交響曲が演奏された。第1楽章のテンポの運びは、音楽自体のダイナミズムを生かした見事なもので、これとヴィーン・フィルハーモニーの有機的な響きが相俟って、この楽章は素晴らしい演奏に仕上がっていた。再現部でノスタルジックなフルートの旋律をいっぱいに歌わせた後、コーダへ向けて一気にたたみ込むあたりは、聴き手も思わず興奮させられる熱演であった。最後の和音を少し溜めるのが想定外だった楽員が散見されたというハプニングも気にならなかったくらい引き込まれた。第2楽章のラルゴは、メータが取ったテンポが速すぎる感じで据わりが悪い。コーラングレのソロも歌いきれていない印象である。弱音器を付けた弦楽による旋律が高まって、木管楽器の田園的な旋律を引き出すあたりは非常に美しかった。スケルツォの楽章は、申し分のない充実した演奏。オーケストラが一体となった、力感に満ちたリズムが一瞬たりとも無機的なることがない。ここでもメータの巧みなテンポの運びが光る。フィナーレも全体的にきわめて密度の濃い演奏で、聴き応えがあった。唸りを上げる弦楽の刻みに乗って、ピラミッド状の響きで金管楽器が咆哮する。欲を言えば、美しい第二主題をもう少しじっくりと、ダイナミクスを微妙に変えながら聴かせてほしかったところ。ただ、それでも全体としては、おそらく来日公演などではほとんど聴くことのできない、このオーケストラならではの魅力が充分に発揮された演奏だったと思う。会場で思いがけず友人とその家族に出会えたのも嬉しかった。帰りがけ、通りがかったスペイン料理屋で、タパスの軽い夕食を取ってホテルの部屋へ戻った。

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ヴィーンへの旅:2012年3月25日

 今日から妻とヴィーンへの旅。ヴィーンを訪れるのは、新婚旅行のとき以来8年ぶりということになる。7時前に広島空港に着いてチェックイン。成田行きの便がオーストリア航空ともコードシェアしているためだろうか、成田からのヴィーン行きの便も同時にチェックインできて、荷物もスルーで預けられたのはありがたかった。9時半前に成田に着いてみると、南ウィングは、ものすごい人混みでごった返していて、出国審査場に通じる保安検査のゲートの前に長蛇の列ができている。本当は少しゆっくりしたかったが、すぐにこの列に並ばなければならなかった。おそらく今日から学校の春休みで、家族連れや卒業旅行で海外へ出る人々のちょっとした出国ラッシュになっているのだろう。
 オーストリア航空のヴィーン行きの直行便で、11時間のフライト。前回このキャリアを利用したのは、ヴィーン経由でドレスデンへ行った2004年の秋以来ということになるが、以来使っていなかった理由を思い出してきた。機内のエンターテインメントの内容が乏しく、機内食もあまり美味しくなかったのだ。妻は見る映画がないとこぼしていた。ラジオのクラシック音楽のプログラムも3時間ほどのサイクルで同じ曲を繰り返している。機内食は、グリルチキンのグラタン添えか「カツ丼」という「究極の」と言いたくなるような選択肢だった。特別不味いわけではないが、美味しくはない。他のキャリアに比べて全体の量を抑えてあるのと、カイザーゼンメルなどのパンが香ばしいのが嬉しい。機内では、岡田暁生の『楽都ウィーンの光と陰──比類なきオーケストラのたどった道』と良知力の『青きドナウの乱痴気』を読了。前者は、ヴィーン・フィルハーモニーというオーケストラの歴史を掘り起こすことを軸としながら、ヴィーンの音楽文化の発展と凋落と同時に、移民の街であり、そうであるがゆえに同時に人種差別の渦巻く街でもあるヴィーンの姿をも浮き彫りにする。スター指揮者として華々しく登場し、歌劇場やオーケストラをめぐる陰謀に翻弄されたマーラー、そしてプラーターの貧しい移民の家に生まれ育ったシェーンベルクに関する章はことに興味深い。巻末の年表や地図もなかなか有益だと思う。音楽の都としてのヴィーンの歴史は、第一次世界大戦以前の、すなわちハプスブルク帝政期のブルジョワジーの興隆に負っていることとともに、これほどまでにヨハン・シュトラウスがヴィーンを代表をするものとしてこれほどまでに全面に押し出されるのは、その時代へのノスタルジーの表われなのだ。後者は、1848年の3月に始まり、10月の敗北に終わるヴィーン革命の歴史を、歴史に名を残さない人々の声や足跡を記した膨大な資料を渉猟して、革命史の見直しを迫る労作。労働者の権利を求める闘いが、やがてハプスブルク帝国内での民族抗争へ転化していく様子が、ヴィーンの都市生活を文字どおり支えていた人々の声から浮き彫りにされる。革命に立ち上がったヴィーンを皇帝の軍隊から守ろうと最後まで戦い、クロアチア人の部隊を先兵とする皇帝軍によって虐殺されたのが、ボヘミアやポーランドからヴィーンへ流れ込んできた人々であったのは、実に痛ましいが、こうした歴史は今も繰り返されていよう。
 少し早くヴィーンへ到着し、空港からバスで市街へ向かう。バスが到着したシュヴェーデンプラッツの停留所のすぐ前に、かつてゲシュタポの本部が置かれていたところに設けられた記念碑が見えた。「けっして忘れない」と碑文にある。気温が20度を超えて暑かったので、ジェラートを食べてから地下鉄でホテルへ向かう。宿はノイアー・マルクトに隣接するオイローパ。便利な場所にあるが、部屋がケルンテン通りに面しているので、夜騒々しくないか心配だ。
 少し休んだ後、アン・デア・ヴィーン劇場へオッフェンバックのオペレッタ『ホフマン物語』を見に行く。ウィリアム・フリードキンの演出で、リッカルド・フリッツァ指揮のヴィーン交響楽団がピットに入った。劇中のホフマンが思いを寄せるプリマ・ドンナがアンナ役を歌うモーツァルトの『ドン・ジョヴァンニ』の上演を劇中劇のように背景に据えながら、ホフマンの恋の遍歴を、彼のなかの無意識の暗黒面が表われてくるプロセスとして描き出す演出で、ヴィデオを駆使した演出ながら、読み替えを打ち出すのかどうか少し煮え切らない印象で、また後半の運びがやや冗長──ただでさえこの作品の後半は、失恋話の繰り返しなだけに退屈になりやすいだろう──に思われた。最後に作家としての人生に戻るところで、ホフマンはノート・パソコンに向かった。
 歌手はいずれも高水準の歌唱を聴かせてくれたが、なかでも全曲を通してミューズ/ニクラウスを演じたロクサナ・コンスタンティネスクは、素晴らしかった。オランピアを歌ったマリー・エリクスメンもほぼ完璧な歌唱。主役のホフマンを歌ったクルト・シュトライトも巧みだったが、今ひとつパンチに欠ける印象だった。それ以外の役もほとんど隙がない。フリッツァ指揮のヴィーン交響楽団は、少し垢抜けたところや軽やかなリズム感が欲しいところもあったが、全体には力強く舞台を支えていて、聴き応えがあった。
 帰りがけ、あるバイスルに寄って軽く夕食をと思ったが、その店はもはやなく、結局市電の停留所のインビスでケバブなどを買い求めて宿へ戻る。ヴィーンにはずいぶんケバブを売る店とアメリカ系のファスト・フードのチェーン店が増えている。

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内田光子&ハーゲン弦楽四重奏団演奏会

 ベートーヴェンの14曲目の弦楽四重奏曲の最終楽章で刻まれる、精神の反抗そのものであるような付点のリズムが容赦なく刻まれるのを聴きながら、ハーゲン弦楽四重奏団はこれほどまで厳しい音楽を聴かせるようになったのか、と感嘆せざるをえなかった。厳しさが貫かれるなかからこそ、この楽章のもの一つの主題が、迸り出るように歌い出される。その歌は、内側から湧き上がる喜びに満ちていた。これら二つの主題の素晴らしい表現は、いずれも純度の高い音楽を追求してきたハーゲン弦楽四重奏団の音楽の必然的な帰結であり、このクァルテットが積み重ねてきた室内楽の探究の精華ではないだろうか。サントリーホールの開場25周年を記念するスペシャルステージの一環として行なわれた、内田光子&ハーゲン・クァルテットの第2夜(2011年10月29日)を聴いたが、その前半で聴いたベートーヴェンの弦楽四重奏曲第14番嬰ハ短調の演奏は、このクァルテットの現時点での到達点を示すものだったように思われた。
 自由そのものと言えるような音楽の展開と、その悲劇的な切断との対照。これが、ほの暗くもどこか覚悟したところのある情念によって貫かれた一つの音楽をなしているところが、第13番と並ぶ異形の弦楽四重奏曲である第14番の魅力と言えようが、今夜の演奏では、その魅力が余すところなく表現されていたのではないだろうか。第1楽章のフーガは、非常に濃密な音楽に仕上げられていて、深い息とともにはき出される長いフレーズが、一分の隙もなく折り重ねられていた。だからこそ、それに続くアレグロの楽章のリズムの愉悦が際立つわけだが、その表現がけっして外面的にならず、密やかさによって貫かれているのが、後期ベートーヴェンに相応しい。細かいリタルダンドやテンポ・ルバートも自然で、音楽自体のダイナミズムにもとづくものであった。本当に密やかに音がさざめき合う箇所の響きなど、この世のものとは思えないほどだったが、そのような響きをこそ、後期のベートーヴェンは、みずからの脳裏に浮かぶ音を厳しく研ぎ澄ませて目指したのではなかったか。その厳しさが音楽に表われたかのような箇所も、上述のように素晴らしかったのだが、それ以上に強い印象を残したのが、アンダンテの自由な変奏の楽章。この夜の白眉だったのではないだろうか。憧れに満ちた歌が、静かに、それでいて感興豊かに変奏されていく。
 休憩を挟んで、内田光子のピアノが加わり、ブラームスのピアノ五重奏曲ヘ短調が演奏された。この曲も、ベートーヴェンの作品同様にメランコリックな情念の漲る作品ではあるが、この日の演奏は、しばしば見られるように、それが若さとともに迸り出るのを強調するのではなく、どちらかと言うとブラームスの音楽そのものの展開に軸足を置いたものではあったが、けっして情熱や力強さに欠けることはなく、スケルツォやフィナーレの追い込みは嵐のように凄まじかった。こうしたとき、五人の奏者の奏でる音楽が一つのエネルギーに凝縮されるのだが、そのような境地に達するまでに、内田光子とハーゲン弦楽四重奏団とのアンサンブルは緊密である。ザルツブルクをはじめとする場所で、何度も共演してきた成果であろう。
 マルタ・アルゲリッチとはいくらか対照的に、弦楽四重奏と一体となって一つの音楽を作り上げようとする内田のアプローチが最も生きていたのがアンダンテの楽章だったかもしれない。ブラームスの内気さを表わすかのように、歩き出しては戻ることを繰り返しながら徐々に高まっていくピアノの主題で音楽を導き、弦楽の歌を引き出すのだが、その過程の豊かなこと。また、第二ヴァイオリンとヴィオラによって歌われる主題──その充実したハーモニーも実に印象的だった──にも彩りを添える。そして、最初の主題が弦楽に移ると、それに微妙に変化し続ける陰影を与えるのである。第一楽章では、ダイナミクスの起伏がテンポの変化と結びつくのを、弦楽と一体となって見事に表現していたし、スケルツォでは、暗い情念が深く沈んだところからだんだんと湧き上がってくるのを、内田光子のピアノが見事に表現していた。そのトリオの部分に入る際のピアノによる主題の提示も非常に美しい。フィナーレは、メランコリックな序奏で始まるのだが、それは前半のベートーヴェンのアダージョの楽章を思い起こさせた。それに続くアレグロの主題の提示は、チェロとピアノが見事に呼応していて、きわめて充実していた。豊かで陰影にも富んだクレメンス・ハーゲンのチェロも素晴らしい。また、その主題がひとしきり高まった後に続く、深沈とした一節では、はっとさせられるほど密度が高い表現が聴かれた。そして、この楽章を特徴づける情熱の高揚にあっても、一つひとつの音の粒立ちがけっして失われることがない。だからこそ魂が内側から熱くなるのだ。内田光子とハーゲン弦楽四重奏団による今夜のブラームスの演奏は、音楽そのものの運動を表現しきることで、そこに込められた情念をも引き出した演奏だったのではないだろうか。このような演奏は、できればもう少し小規模の、室内楽用の会場で聴きたかった。音が広がりすぎて、一つひとつの音に入っていけなかったきらいがあったのが少し残念だった。
※以上は、以下のサイトに掲載した記事の抄録です。http://homepage.mac.com/nob.kakigi/Mituko_UchidaHagen_Quartett291011.htm

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Hiroshima Happy New Ear Xを聴いて

 広島の地に、あるいは広島の地から「新しい耳」を開こうとする現代音楽の演奏会「Hiroshima Happy New Ear」。早いもので今回で10回目を迎える。その第10回の演奏会を10月20日、アステールプラザのオーケストラ等練習場で聴いた。「悠久の時を超えて」と題された今回の演奏会では、笙という楽器の可能性を世界に知らしめた宮田まゆみと、現代リコーダー演奏の第一人者と呼ぶべき鈴木俊哉の二人を迎えて、千年以上にわたって伝承されてきた曲から、ごく最近生まれたばかりの作品まで演奏された。それら演奏された作品のなかで、笙のような楽器を生かしてきた伝統と現代の感性が時を超えて出会うのに立ち会い、笙とリコーダーという生まれた時も場所も大きく隔たった二つの楽器に通底するものにじかに触れることができたように思う。これら二つの楽器を貫くもの、それは世界を満たし、生命を貫く息である。古代ギリシア以来の伝統によれば、ギリシア語で「プネウマ」と呼ばれる、世界に満ちる気息こそ、ギリシア語の「アニマ」、すなわち「魂」とも訳される生命の原理にほかならない。今回の演奏会は、息をして生きているのになかなか気づくことのない、この気息の無限のダイナミズムを、あるいは無数の気息のせめぎ合いをあらためて見直す機会にもなったのではないだろうか。
 最初に演奏されたのは、古典的な雅楽において笙の曲として伝えられてきた「平調調子」。会場は、十分な高さがありながら、さほど広くないので、例えば千席規模の大きな演奏会場で聴くよりも、笙という楽器の音色や、そこにある陰影を捉えやすかったかもしれない。それはヨーロッパのオルガンのように広がりながら空間を満たすのではなく、鳳凰を模した楽器の姿そのままに空間に凛と立つ。しかし、そこには豊かな倍音だけでなく、影のような音も連れ添っていて、そこからたゆたうようなニュアンスの変化が生まれてくるようだ。秋の月のように白く映える響きがすっと退いて、木霊のように遠くから響くのに、一抹の寂しさを感じた。
 次に演奏されたのは、ルチアーノ・ベリオがリコーダー独奏のために書いた「ジェスティ」。「ジェスティ」とは身振りであるが、ベリオは、未だ一つの身体に統合されていない、複数の身振りそのものが、偶然の出会いを経て深く結びつくまでを一つの曲に構成しているようである。口から分離した手の動きが表現する、落下を繰り返すような自動運動と、声も混じる変化に富んだ息を吹き込む動きとが、時に遭遇し、また時にすれ違う。そこにある偶然性が、鈴木俊哉の見事な演奏によって、実にスリリングに感じられた。また、聴いていて、口と手の分離とともに、両者の運動そのものが、あたかも人間の意図を離れた自動的なものであるかのように、厳密に構成されているのが伝わってきたのも興味深い。
 ベリオに続いて、細川俊夫の「線Ib」が演奏された。この作品は、本来フルート独奏のために書かれたのを、リコーダーのために編曲したものという。この作品は、彼の作曲の原点にあるものという。あるいはゲーテの言葉を借りて、「原現象」とでも呼ぶべきなのかもしれない。リコーダーという木で出来た楽器でこの曲を聴くと、その後のいくつかの作品の響きが、とりわけ息を伴った響きが思い出されてくる。「線」以来、細川は宇宙的な時空間へのカリグラフィとして作曲行為を自覚するようになるわけだが、リコーダーでこの曲を聴くと、最初の打ち込みが激しい息とともにもたらされることばかりでなく、書道において擦れや滲みを伴う墨の線が、空間を満たす無数の気息とのせめぎ合いのなかから浮かび上がってくることが、非常によく伝わってくる。リコーダーの狭い管のなかに渦巻く気息のエネルギーが、一本の線に結実していく過程が、劇的ですらあった。
 演奏会前半ではもう一曲、川上統の「軍鶏」が演奏された。笙とリコーダーのために書かれたこの若い作曲家の作品は、軍鶏という鳥の猛々しさと滑稽さの両方を描き出そうと、リズミカルな動きどうしの間を巧みに使っていたが、それを聴いていて、二羽の鶏が時にけたたましく存在を誇示し、時に媚態を見せながら戯れ合う、微笑ましい光景が想像された。アニマという生命の気息が軍鶏という生き物、すなわちアニマルの生態に吹き込まれる一曲とでも言えようか。
 休憩を挟んで、徳永崇の「模様の入れ方」が演奏された。笙で演奏可能なすべての和音をランダムに配したのを下地として、そこにリコーダーの音を刺繍するように絡めていく、まさに模様を入れる作曲行為を示すとともに、地と図の境界が揺さぶられるような仕方でハイブリッドな音響を現出させる作品と言えようが、とくに笙の響きがすでにハイブリッドな変化を含んでいて、織物の生地の糸の一本の繊維の光彩の変化のほうに注目させられた感じがする。
 次いで日本古謡の「さくら」を細川俊夫が笙独奏のために編曲したかたちで聴いた。陰影に富んだ響きのなかから、よく知られたペンタトニックな旋律が微かに響き出てくるのだが、そのさまは吐く息が歌となる、つまり息の響く音の高さが上下に動く際の緊張を、そこにある無数の振動を表わしているように思われた。息をして生きる人間が気息に満たされた空間のなかで、みずからの思いを乗せた深い息を吐いて歌うという行為そのものの原像を見た思いがする。
 その次に演奏されたサルヴァトーレ・シャリーノの「風に乗って運ばれた、対蹠地からの手紙」からは、シチリア出身というこの作曲家がもっている風の運動、とりわけその速度に対する独特の感性を感じることができた。海辺に立つと、さまざまな方向からの、それぞれ異なった速度をもった風の動きを体感することがあるが、そこにあるせめぎ合いや、それに伴う海辺の木々の揺らぎ、海鳥たちの動きの変化を顕微鏡で拡大したかのような動きが、リコーダーの演奏技法を最大限に駆使して表現されているのかもしれない。しかも、瞠目すべきことに、きわめて微視的な構成が、広い空間を吹き抜け、人を圧倒するような風の荒々しさにも結びついている。そのことを見事に表現しきった、鈴木俊哉の超絶技巧にも圧倒させられた。
 最後に演奏されたのは、細川俊夫が武満徹の還暦に寄せて書いた「鳥たちへの断章IIIb」。盲学校の子どもたちが手触りと心のなかのイメージを頼りに練り上げた鳥たちの彫塑に触発されて、音に触る行為として作曲そのものを見つめ直しつつ、その鳥たちの自然を、そして自然な生のうちにこそある自由を表現しようと作曲した作品という。自然の母胎を表現したという笙の響きがたゆたうなかから響いてくる低音のリコーダーの音は、おずおずと羽ばたき始める鳥の翼の動きを思わせるが、そこに同時に、例えば森のなかでぞくっとさせられるような生き物の気配のようなものさえ感じられる。やがて、リコーダーによって鳥の自由な動きが、とりわけリコーダーがソプラノに持ち替えられてからは、重力から解き放たれたかのような動きが展開されるのだが、笙の響きも変化を止めることはない。翼の羽ばたきに呼応してゆらめくかのように、彩りを変えていく。こうした笙とリコーダーの音の動きからは、人間によってけっして飼い馴らされることのない自然のダイナミズムと、生命そのものの自由を感じないではいられない。
 笙とリコーダー。この二つの楽器が示しているのは、生命のダイナミックな運動が気息によって貫かれているということである。無数の気息が行き交う空間のなかで一つの生命体が息を発するとき、その気息は振動し、響き出ることがある。もしかすると音として聴いているものの根源を、今回の演奏会で垣間見たのかもしれない。
※以上は、次のサイトに掲載した記事の抄録です。
 http://homepage.mac.com/nob.kakigi/Hiroshima_Happy_New_Ear_X20102011.htm

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